ARTE CALLEJERO

¿Qué es arte callejero?

Cuando hablamos de arte callejero, arte urbano o street art, nos referimos a las técnicas informales de expresión artística que se dan en la calle de manera libre, a veces incluso ilegal, usualmente en las grandes ciudades. Se trata de un tipo de intervención artística, de vida corta y que no aparece en los museos.

En este tipo de expresiones artísticas se engloba tanto el grafiti (célebre como forma de protesta anónima), como las plantillas o esténcil (stencil) y un variado número de técnicas y recursos empleados para ilustrar en paredes y otras superficies urbanas, como trenes, anuncios publicitarios, etc.

El arte callejero se maneja en una delgada frontera entre la expresión estética, política o social, con el vandalismo y otras formas de intervención ilegal de la fachada pública de las ciudades. Esto se debe a que a menudo, en su afán por visibilizar su mensaje, los artistas callejeros trepan a superficies elevadas, intervienen señales del marcaje urbano o anuncios gubernamentales, traspasan los límites de la propiedad privada e incluso, para algunos, son responsables de una forma de contaminación visual. Por esa razón, los artistas callejeros suelen ocultar su identidad y emplear seudónimos artísticos.

Diatribas aparte, este género ha sido cultivado extensamente por numerosos artistas callejeros en las principales ciudades de Occidente, pero llegando incluso a intervenir locaciones famosas del mundo, como un muro en Gaza, en la conflictiva frontera árabe israelí.

Algunos de los artistas más célebres de esta tendencia son el estadounidense Shepard Fairey (con su conocido slogan de “obey”), Space Invaders (cuyo nombre proviene de un famoso videojuego de los 80), Blek le rat, o el mítico Bansky, cuya identidad es desconocida a pesar de lo mundialmente célebres de sus intervenciones.

Historia del arte callejero

El término street art surge a mediados de los años 90, también bajo el nombre de Post-graffitti, para identificar una serie de expresiones artísticas heterogéneas y usualmente anónimas que empezaron a inundar las grandes ciudades de Occidente. Ya existían estas técnicas como formas de protesta o de denuncia popular, de hecho a mediados de los años 60 ya se empleaban las plantillas en París. Pero a partir de entonces empieza a convertirse en la expresión de una subcultura.

Eventualmente la popularización del Post-grafiti en las distintas ciudades llevó al surgimiento de grupos locales y de artistas propios de cada ciudad, reconocibles por sus mensajes o sus personajes recurrentes. En la actualidad muchos artistas como el británico Banksy han alcanzado tal grado de reconocimiento que han sido abordados en libros de arte e incluso se llegó a exponer de manera clandestina algunas de sus piezas.

Tipos de arte callejero

Si clasificamos el arte callejero en base a sus técnicas empleadas, tendremos las siguientes categorías:

• Grafiti. El grafiti es la “pintada” tradicional, es decir, el dibujo o la escritura clandestina en las paredes de la ciudad, sólo que en el caso del arte urbano esta pintada no es simplemente un mensaje de protesta, sino que adquiere todo un sentido estético: dibujos, formas, mensajes cifrados, etc.
• Stencil. Funciona en base a una plantilla de plástico o papel en la cual se recorta la silueta de lo que se desea pintar, y luego se las adhiere a la pared antes de pintarlas con pintura. De esta manera se logran formas elaboradas y se combina el texto con la imagen.
• Pósteres. Impresos en papel u otros materiales y pegados con engrudo en las paredes, permanecen mucho tiempo y permiten combinar varios para formar figuras de importante tamaño.
• Esculturas y otras intervenciones. Existen otras formas de arte callejero más atrevidas que intervienen objetos de la vía pública, casetas telefónicas o incluso billetes, combinando la escultura con otras artes gráficas

Características del arte callejero

El arte callejero, por lo general, se caracteriza por ser:

• Efímero. Por lo general las intervenciones de este tipo no duran por mucho, pues las paredes son pintadas de nuevo y las superficies limpiadas por el mantenimiento de los gobiernos locales. Sin embargo, quedan las fotografías y filmaciones de ellas.
• Clandestino. La aparición de las obras de arte callejero suelen ocurrir durante la noche o la madrugada, de modo que la gente al día siguiente se tropiece con ellas, en lugar de verlas ocurrir. Esto les da un factor sorpresa, pero también se debe a que en ocasiones los artistas se exponen al peligro (al treparse a superficies elevadas, por ejemplo), o eligen propiedad gubernamental para intervenir, lo cual no es del todo lícito.
• Casi anónimo. Si bien muchas de las intervenciones están firmadas con el seudónimo del artista, muchas otras no lo están. No siempre se sabe quién es tal o cual artista callejero en vida real.
• Extra-muros. Como su nombre lo indica, el arte callejero se encuentra en la calle, en el transporte público, en lugares cotidianos, y no en museos o lugares de exposición artística “controlados”. Hay algo de desafiante en el street art.

arte abstracta 

El arte abstracto
es un estilo moderno que se opone al realismo y a la fotografía, de esta manera, es necesaria la utilización de la imaginación y la comprensión más allá de lo que la lógica nos entrega para admirar una pintura u obra abstracta.
Dentro de las artes visuales, el arte abstracto es más conocido por sus expresiones en el campo de la plástica (pintura, escultura), pero existen otras vertientes del arte que han desarrollado también tendencias abstraccionistas como, por ejemplo, en la arquitectura, en las artes escénicas (danza, música) y en la literatura.
Historia del arte abstracto
El arte abstracto, como tal, ya existía desde la prehistoria si tomamos las formas de arte de civilizaciones perdidas como el arte rupestre.
Como tendencia artística se origina a principios del siglo XX, tomando fuerza en 1910 con las obras Wassily Kandinsky (1866-1944) en Munich.
Siguiendo y tomando como inspiración los movimientos de vanguardia o vanguardismo como el expresionismo, el cubismo y el fauvismo, también se opone al arte figurativo realzando las emociones, conceptos e inconsciente.
Características del arte abstracto
El arte abstracto se caracteriza por emplear las formas esenciales del lenguaje plástico, como las figuras, las líneas y los colores, como medio de expresión artística.
En este sentido, el arte abstracto se distingue por trascender la representación de la apariencia externa de las cosas, y por plantear búsquedas plásticas que apuntan más bien hacia los aspectos formales, cromáticos y estructurales.
De allí que la abstracción se valga de los recursos más esenciales del lenguaje plástico para procurar crear un lenguaje autónomo que evoque sus propios sentidos.
No obstante, el grado de abstracción de sus obras puede variar e ir desde un nivel de abstracción parcial, donde los rasgos figurativos aún son evidentes, hasta una abstracción total y absoluta.
Tipos de arte abstracto
El arte abstracto se alimentó de las experiencias vanguardistas del momento y según sus características formales surgen otros tipos de arte abstracto, siendo los más conocidos: el arte abstracto orgánico, lírico, geométrico y el expresionismo abstracto.
Black Hollyhock Blue Larkspur, Georgia O’Keeffe, 1930Conocido también como abstraccionismo orgánico, este tipo de arte busca representar formas orgánicas, como rocas, plantas y organismos unicelulares que sugieren otros tipos de figuras u objetos. Una de sus mayores exponentes es la artista estadounidense Georgia O’Keeffe (1887-1986).
Amarillo, Rojo y Azul, WassilyKandinsky, 1925Abstracción lírica, también llamada abstracción expresiva, es una vertiente que fue influenciada por el fauvismo y el expresionismo.
Sus principales características los tratamientos del color, el sentimentalismo, la intuición y una mayor libertad artística. El mayor representante de esta vertiente fue el artista ruso Wassily Kandinsky (1866-1944).
Tableau I, PietMondrian, 1921Abstracción geométrica o neoplasticismo como el padre de esta tendencia, el pintor neerlandés Piet Mondrian (1872-1944) lo llamaba, tiene influencias del cubismo y luego del futurismo.
Como su nombre lo indica, su forma de expresión se relaciona con la geometría de las formas y con el racionalismo.
There were seven in eight, JacksonPollock, 1950El expresionismo abstracto se caracteriza por utilizar, tal como sugiere su nombre, la exteriorización de emociones y sentimientos (expresionismo) sin formas ni objetos figurativos de la realidad (abstracto).
Dentro de las artes visuales, el arte abstracto es más conocido por sus expresiones en el campo de la plástica (pintura, escultura), pero existen otras vertientes del arte que han desarrollado también tendencias abstraccionistas como, por ejemplo, en la arquitectura, en las artes escénicas (danza, música) y en la literatura.
Historia del arte abstracto
El arte abstracto, como tal, ya existía desde la prehistoria si tomamos las formas de arte de civilizaciones perdidas como el arte rupestre.
Como tendencia artística se origina a principios del siglo XX, tomando fuerza en 1910 con las obras Wassily Kandinsky (1866-1944) en Munich.
Siguiendo y tomando como inspiración los movimientos de vanguardia o vanguardismo como el expresionismo, el cubismo y el fauvismo, también se opone al arte figurativo realzando las emociones, conceptos e inconsciente.
Características del arte abstracto
El arte abstracto se caracteriza por emplear las formas esenciales del lenguaje plástico, como las figuras, las líneas y los colores, como medio de expresión artística.
En este sentido, el arte abstracto se distingue por trascender la representación de la apariencia externa de las cosas, y por plantear búsquedas plásticas que apuntan más bien hacia los aspectos formales, cromáticos y estructurales.
De allí que la abstracción se valga de los recursos más esenciales del lenguaje plástico para procurar crear un lenguaje autónomo que evoque sus propios sentidos.
No obstante, el grado de abstracción de sus obras puede variar e ir desde un nivel de abstracción parcial, donde los rasgos figurativos aún son evidentes, hasta una abstracción total y absoluta.
Tipos de arte abstracto
El arte abstracto se alimentó de las experiencias vanguardistas del momento y según sus características formales surgen otros tipos de arte abstracto, siendo los más conocidos: el arte abstracto orgánico, lírico, geométrico y el expresionismo abstracto.
Black Hollyhock Blue Larkspur, Georgia O’Keeffe, 1930Conocido también como abstraccionismo orgánico, este tipo de arte busca representar formas orgánicas, como rocas, plantas y organismos unicelulares que sugieren otros tipos de figuras u objetos. Una de sus mayores exponentes es la artista estadounidense Georgia O’Keeffe (1887-1986).
Amarillo, Rojo y Azul, WassilyKandinsky, 1925Abstracción lírica, también llamada abstracción expresiva, es una vertiente que fue influenciada por el fauvismo y el expresionismo.
Sus principales características los tratamientos del color, el sentimentalismo, la intuición y una mayor libertad artística. El mayor representante de esta vertiente fue el artista ruso Wassily Kandinsky (1866-1944).
Tableau I, PietMondrian, 1921Abstracción geométrica o neoplasticismo como el padre de esta tendencia, el pintor neerlandés Piet Mondrian (1872-1944) lo llamaba, tiene influencias del cubismo y luego del futurismo.
Como su nombre lo indica, su forma de expresión se relaciona con la geometría de las formas y con el racionalismo.
There were seven in eight, JacksonPollock, 1950El expresionismo abstracto se caracteriza por utilizar, tal como sugiere su nombre, la exteriorización de emociones y sentimientos (expresionismo) sin formas ni objetos figurativos de la realidad (abstracto).

Dentro de las artes visuales, el arte abstracto es más conocido por sus expresiones en el campo de la plástica (pintura, escultura), pero existen otras vertientes del arte que han desarrollado también tendencias abstraccionistas como, por ejemplo, en la arquitectura, en las artes escénicas (danza, música) y en la literatura.
Historia del arte abstracto
El arte abstracto, como tal, ya existía desde la prehistoria si tomamos las formas de arte de civilizaciones perdidas como el arte rupestre.
Como tendencia artística se origina a principios del siglo XX, tomando fuerza en 1910 con las obras Wassily Kandinsky (1866-1944) en Munich.
Siguiendo y tomando como inspiración los movimientos de vanguardia o vanguardismo como el expresionismo, el cubismo y el fauvismo, también se opone al arte figurativo realzando las emociones, conceptos e inconsciente.
Características del arte abstracto
El arte abstracto se caracteriza por emplear las formas esenciales del lenguaje plástico, como las figuras, las líneas y los colores, como medio de expresión artística.
En este sentido, el arte abstracto se distingue por trascender la representación de la apariencia externa de las cosas, y por plantear búsquedas plásticas que apuntan más bien hacia los aspectos formales, cromáticos y estructurales.
De allí que la abstracción se valga de los recursos más esenciales del lenguaje plástico para procurar crear un lenguaje autónomo que evoque sus propios sentidos.
No obstante, el grado de abstracción de sus obras puede variar e ir desde un nivel de abstracción parcial, donde los rasgos figurativos aún son evidentes, hasta una abstracción total y absoluta.
Tipos de arte abstracto
El arte abstracto se alimentó de las experiencias vanguardistas del momento y según sus características formales surgen otros tipos de arte abstracto, siendo los más conocidos: el arte abstracto orgánico, lírico, geométrico y el expresionismo abstracto.
Black Hollyhock Blue Larkspur, Georgia O’Keeffe, 1930Conocido también como abstraccionismo orgánico, este tipo de arte busca representar formas orgánicas, como rocas, plantas y organismos unicelulares que sugieren otros tipos de figuras u objetos. Una de sus mayores exponentes es la artista estadounidense Georgia O’Keeffe (1887-1986).
Amarillo, Rojo y Azul, WassilyKandinsky, 1925Abstracción lírica, también llamada abstracción expresiva, es una vertiente que fue influenciada por el fauvismo y el expresionismo.
Sus principales características los tratamientos del color, el sentimentalismo, la intuición y una mayor libertad artística. El mayor representante de esta vertiente fue el artista ruso Wassily Kandinsky (1866-1944).
Tableau I, PietMondrian, 1921Abstracción geométrica o neoplasticismo como el padre de esta tendencia, el pintor neerlandés Piet Mondrian (1872-1944) lo llamaba, tiene influencias del cubismo y luego del futurismo.
Como su nombre lo indica, su forma de expresión se relaciona con la geometría de las formas y con el racionalismo.
There were seven in eight, JacksonPollock, 1950El expresionismo abstracto se caracteriza por utilizar, tal como sugiere su nombre, la exteriorización de emociones y sentimientos (expresionismo) sin formas ni objetos figurativos de la realidad (abstracto).

Arte abstracto orgánico

Arte abstracto lírico

Arte abstracto geométrico

Expresionismo abstracto

arte antiguo

Arte antiguo

 es el arte de la Edad Antigua. La historia del arte antiguo es la división de la historia del arte que se centra en su estudio e interpretación formal, técnica, estructural, e ideológica (iconográfica, iconológica) y en su explicación histórica; aunque la arqueología es la ciencia histórica cuyo objeto es la cultura material de la que las obras de arte son la manifestación más valiosa, y es la encargada de su descubrimiento y análisis contextual.Su delimitación cronológica va desde el comienzo de la Historia (aproximadamente el IV milenio a. C. en Próximo Oriente y Egipto) hasta la caída del Imperio romano de Occidente (siglo V). La extensión geográfica del desarrollo de las primeras civilizaciones –definidas por la aparición de la escritura y el poder político y religioso– impone dónde pueden localizarse (civilizaciones mediterráneas, de la India, de Extremo Oriente, de América Precolombina y del resto de Europa y de África) y cuándo puede hablarse en cada una de un periodo histórico (Historia) o de un periodo prehistórico (Prehistoria), que determinaría que su producción artística fuese objeto de la historia del arte prehistórico; aunque realmente la metodología para su estudio es en gran parte común, hay una diferencia fundamental, y es la posibilidad de utilizar las fuentes escritas para los periodos históricos. Este recurso es insustituible, puesto que no sólo permite la identificación en su caso de los autores o patrocinadores de la obra artística y reconstruir el contexto en el que se produjo, sino que posibilita la interpretación del Arte en su relación con la producción intelectual en otros ámbitos del pensamiento, sobre todo la religión y la filosofía. De esta manera se puede efectuar una lectura del arte que lo entienda a través la visión del mundo (Weltanschauung) o ideología dominante en épocas y lugares tan lejanos a nosotros como las civilizaciones de la Edad Antigua, y del que el Arte es la plasmación material y visual.

Obras del arte Antiguo

Venus de Willlendorf: pertenece al arte antiguo, a la etapa paleolítica, en torno al 40.000- 20.000 años a.C. Se localizó en Austria, con autor anónimo. Es una figura de una mujer en posición estática, con forma de bulto redondo, los rasgos de la cara no están definidos, pero los pechos, caderas y muslos aparecen con una forma exagerada. Tiene enorme desproporción no siendo algo real, se puede decir que es una figura abstracta, puede que el autor quisiera representar a todas las mujeres en una. El material utilizado es marfil, piedra caliza o hueso, y realizada con utensilios como hachas o puntas de flecha. Su significado es mágico-religioso, representando a la diosa de la fertilidad. Ha sido considerada la primera manifestación de la belleza realizada por el ser humano.

Bisonte de Altamira: pertenece a la pintura del arte prehistórico y dentro de la época franco –cantábrica, alrededor del año 15.000 a.C. se cree que en el periodo Magdaleniense, localizada en la cueva de Altamira. Representa la figura de un bisonte, siendo una imagen llena de vida y de naturalismo, realizada con gran detalle. Fue pintada con la técnica al fresco, en una de las paredes de la cueva. La técnica utilizada fue la policromía, con tonos ocre, negro, rojo y amarillo en el interior y con un contorno delineado un trazo negro muy marcado. Representa la etapa cazadora- recolectora, siendo un arte realista, ya que se ha pintado justo lo que el hombre ve, con un poco de connotaciones religiosas.Pirámide de Keops: se considera arquitectura del arte egipcio,del año 2.900- 2.060 a.C. Se encuentra en la meseta de Giezh. Se cree que fue construida por esclavos y prisioneros de guerra y por agricultores, queriendo crear una obra eterna y que suscitase ciento temor. Sus proporciones son gigantescas y está rodeada de edificaciones más pequeñas. Su forma es de una pirámide perfecta de tres lados lisos, construida con piedra y ladrillo. Se quería evitar el saqueo y se construyó con varios elementos: cámara mortuoria, situada en el subsuelo, donde estaba el cadáver momificado, la cámara del ajuar, que estaba en el centro de la pirámide y donde se guardaba las valiosas joyas y la imagen del difunto, corredores laberínticos que impedían el saqueo, la cámara de la reina, respiraderos y las falsas cámaras y corredores.

arte moderno

Arte moderno 

es un término propio de distintos ámbitos del mundo del arte (la historiografía del arte, la estética y teoría del arte y el mercado de arte), que pretende diferenciar una parte de la producción artística, que se identificaría con un determinado concepto de modernidad por oposición al denominado arte académico. Este representaría la tradición; mientras que el arte moderno representaría la experimentación.¹​Al ser principalmente un concepto estético y no cronológico, cualquier delimitación de un periodo para el "arte moderno" es problemática, empezando por una dificultad obvia: el arte de la Edad Moderna (de mediados del siglo XV a finales del siglo XVIII) no es lo que se entiende como "arte moderno", mientras que sí lo es el arte de la Edad Contemporánea(desde finales del siglo XVIII hasta la actualidad). Otra ambigüedad evidente es la utilización de la expresión "arte moderno" en oposición a "arte antiguo", que tampoco coincide siempre con el arte de la Edad Antigua (desde el inicio de la historia hasta el siglo V), especialmente en formas como "maestros antiguos" y "maestros modernos", siendo aquellos los del siglo XV al XVII, y estos los posteriores, épocas convencionalmente separadas por criterios historiográficos y museológicos.²​Las expresiones "arte moderno" y "arte contemporáneo" se utilizan muy a menudo de forma totalmente intercambiable, incluso en la bibliografía especializada³​ y el entorno institucional (museos y universidades);⁴​ mientras que en otras ocasiones, en los mismos ámbitos, se utilizan en oposición, reservando para el "arte moderno" un periodo indefinido, que puede ir desde distintos momentos del siglo XIX hasta distintos momentos del siglo XX. No hay consenso para determinar si es el "arte moderno" o el "arte contemporáneo" el que ejemplifican las vanguardias; ni tampoco para determinar si esa diferenciación debe aplicarse a alguna de las sucesivas generaciones de vanguardias: bien las que comienzan antes de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y se desarrollan en el periodo de entreguerras (1918-1939), o bien las que surgen después de la Segunda Guerra Mundial(1939-1945), o incluso las "tras vanguardias" de finales del siglo XX, cuando se acuñó el concepto de lo "postmoderno", que para algunos autores pondría fin al "arte moderno" en sí.⁵​Únicamente si se entiende el concepto de arte moderno no como cronológico, sino como estético (de estilo, de sensibilidad o incluso de actitud), pueden explicarse ciertas paradojas: un pintor academicista como William Adolphe Bouguereau (muerto en 1905) no hace "arte moderno", mientras que Vincent van Gogh (muerto en 1890) indudablemente sí; calificar como "modernos" a el Greco (muerto en 1614), Velázquez (muerto en 1660), a Rembrandt (muerto en 1669) o a Goya (muerto en 1828) es algo tan común que se ha convertido prácticamente en un tópico.⁶

Historia de este estilo de arte moderno

La posición de innovación que tiene los artistas de esa época abre una puerta a la libertad del ámbito artístico y por ello van desapareciendo los rasgos relacionados con el arte hasta ese momento. Los artistas de este tipo de arte  hicieron una declaración en la deformación de las cosas, sobre todo de los objetos, que se realizaba de forma deliberada, cuyo objetivo era la búsqueda de satisfacción de cierto concepto poético que las cosas poseían.Es por ello por esas técnicas usadas en el arte por lo que nace el concepto de arte moderno, que se define como el irracionalismo en su manera más grande, aunque también tenemos que decir que esto no es una característica solo de este tipo de arte ya que pasados los siglos ha habido muchos tipos de arte que han presentado ese irracionalismo. Aun así tenemos que tener en cuenta que este concepto es la definición más “artístico” es decir el concepto más sencillo del arte, y es por eso por lo que este concepto es el más incondicionalmente irracional hablando estéticamente que la humanidad ha podido conocer. Por esto mismo es por lo que se le atribuye la característica de irracional a este concepto, ya que se puede observar el carácter impopular y revolucionario que tenía.

1. 
   

Todo acerca del arte.

1. 1. TODO ACERCA DEL ARTE  Presentado por: Camilo Andrés Briñez Lara Diego Fernando Rojas Lugo Diego Alejandro Vásquez Reyes Jefferson Joaquín Triana Morales  Presentado a: Jorge Enrique Ramírez Gallardo COLEGIO NUESTRA SEÑORA DEL ROSARIO
2. 2. LA HISTORIA DEL ARTE  La Historia del Arte como tal es fruto de una larga evolución con sus inicios en el siglo XVIII que marca el inicio de la modernidad y de nuestro mundo ya que en este momento tiene lugar una transformación en el pensamiento y aparece la idea de que el hombre debe entender la realidad mediante la razón, mediante su pensamiento.
3. 3.  Johan Joachim Winckelmann se considera el padre de la Historia del Arte, es autor de “Historia del Arte en la Antigüedad” escrita en 1.764 y que tenía como propósito el estudio del arte griego y lo interesante es cómo lo estudia. Aunque no es la primera vez que se escribe sobre arte, o sobre la Historia del Arte ya que hay precedentes como Plinio el Viejo, y en la Edad Media las referencias en libros de carácter diverso incluso en las hagiografías y en los libros de peregrinos como en la “Guía del Peregrino”, en inventarios, crónicas, etc., la diferencia con el libro de Winckelmann es que no hay conciencia histórica, no hay conciencia de que se está haciendo Historia del Arte, la intención de estas obras no es esa. Winckelmann si que quiere hacer una Historia del Arte.
4. 4.  Ya a partir del siglo XV comienza a tomarse conciencia de la importancia del arte y de los artistas y entonces se empiezan a realizar biografías de artistas, la más importante es la llamada “Vidas” de Vasari y nos da noticias de los artistas del momento con una gran cantidad de datos, pero el propósito es engrandecer al artista como hombre ilustre, no tanto hablar del arte como del artista.  Vasari toma como objeto principal del arte al artista. Después de Vasari hay otros cultivadores del género biográfico, incluso en España, pero ninguno va a hacer una Historia del Arte.
5. 5.  La diferencia con Winckelmann es que su enfoque es distinto, ya no se ocupa del artista sino de la obra de arte que es la protagonista única de las reflexiones de Wincklemann y estructura su exposición de acuerdo con un esquema que hoy se sigue utilizando que es el esquema del estilo. Wincklemann dice que los estilos se pueden clasificar en determinadas etapas y que tienen una organización semejante a la de un ser vivo con un período de nacimiento, un período de desarrollo, un período de madurez, un período de decadencia y el agotamiento o final de ese estilo.
6. 6.  La periodización por estilos se sigue utilizando hoy en día. Otra aportación de Winckelmann es que llega a la conclusión de que en el arte griego se había llegado al máximo nivel de belleza y nunca se había igualado ni se igualaría. Esto es interesante ya que con esta conclusión se pregunta porqué ocurre esto e intenta dar una explicación más o menos objetiva y lo hace analizando las circunstancias que rodearon a la emergencia y desarrollo del arte griego como por ejemplo la influencia del clima mediterráneo, el hermoso entorno natural e incluso, por otra parte, el florecimiento cultural griego influiría en el florecimiento del arte e incluso la el sistema político griego.
7. 19. F U N C I Ó N D E L A ART E D U R A N T E L A E DA D M E D I A
8.  Ser una ofrenda a Dios, a los santos o a los difuntos, con el fin de obtener su gracia, su indulgencia, etc. Es por ello que el hombre medieval (incluso aquellos, como San Francisco de Asís, que promovían la pobreza) no dudaba de la legitimidad de la riqueza de los adornos de las iglesias, monasterios u otros lugares de culto, puesto que esta riqueza era vista como una ofrenda necesaria a Dios, para la cual eran necesarios los mejores materiales y las mejores técnicas.
9. 20.  Ser intermediaria entre el mundo sobrenatural y el humano, haciendo visible en este las realidades divinas, según la máxima paulina per visibilia ad invisibilia (a través de lo visible hacia lo invisible). Se suele atribuir a las imágenes medievales una función pedagógica: explicar los dogmas de la fe cristiana y la historia sagrada a los iletrados (el catecismo de piedra), si bien no todos los expertos están de acuerdo sobre este punto.2  Ser una afirmación de poder: por un lado, del poder de Dios y de la Iglesia (el poder religioso); por otro, del poder político (emperadores, reyes, y las mismas instituciones eclesiásticas). A finales de la Edad Media van surgiendo en otros agentes sociales los medios suficientes para encargar obras de arte (la burguesía).
10. 21. EL ARTE MODERNO  el arte moderno representaría la experimentación El arte moderno representa como innovación frente a la tradición artística del arte occidental una nueva forma de entender la estética, la teoría y la función del arte, en que el valor dominante (en pintura o escultura) ya no es la imitación de la naturaleza o su representación literal. La invención de la fotografía había hecho esta función artística obsoleta. En su lugar, los artistas comenzaron a experimentar con nuevos puntos de vista, con nuevas ideas sobre la naturaleza, materiales y funciones artísticas, a menudo en formas abstractas.
11. 22.  Arte moderno es un término propio de distintos ámbitos del mundo del arte (la historiografía del arte, la estética y teoría del arte y el mercado de arte), que pretende diferenciar una parte de la producción artística, que se identificaría con un determinado concepto de modernidad por oposición al denominado arte académico. Este representaría la tradición; mientras que el arte moderno representaría la experimentación.  En su origen, dada su naturaleza reactiva, el arte moderno es un fenómeno exclusivamente europeo, aunque en algunas ocasiones se planteaba la necesidad de búsqueda de tradiciones alternativas fuera del arte occidental (en el arte africano -cubismo-, o en el arte japonés impresionismo-) o fuera de las fases más clasicistas de la propia tradición occidental (prerrafaelismo).
12. 
    
13. 23.  Al ser esencialmente un concepto estético y no cronológico, cualquier delimitación de un periodo para el "arte moderno" es problemática, empezando por una dificultad obvia: el arte de la Edad Moderna (de mediados del siglo XV a finales del siglo XVIII) no es lo que se entiende como "arte moderno", mientras que sí lo es el arte de la Edad Contemporánea (desde finales del siglo XVIII hasta la actualidad).  Otra ambigüedad evidente es la utilización de la expresión "arte moderno" en oposición a "arte antiguo", que tampoco coincide siempre con el arte de la Edad Antigua (desde el inicio de la historia hasta el siglo V-), especialmente en formas como "maestros antiguos" y "maestros modernos", siendo aquellos los del siglo XV al XVII, y estos los posteriores, épocas convencionalmente separadas por criterios historiográficos y museológicos